Leopold Museum: ‘Kokoschka. The Self in Focus’

by Paula Terán

Vienna, from 4. October 2013 to 27. January 2014

Three impressive artists represent the Austrian Modernism, full of innovative and radical ideas: Gustav Klimt (1862–1918), Oskar Kokoschka (1886–1980) and Egon Schiele (1890–1918).
Unlike Klimt and the young Schiele, who died in 1918, Oskar Kokoschka lived until 1980 so is the only one of these artists whose oeuvre stretched far into the 20th century.

Self-Portrait, One Hand Touching the Face, 1918/19, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Leopold Museum, Vienna.

Self-Portrait, One Hand Touching the Face, 1918/19, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Leopold Museum, Vienna. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna

Throughout his life, he was photographed time and again and with this exhibition, the Leopold Museum intends to illustrate, in a different way, by the dialogue between photography and painting, the different contributions that these three artists, and Kokoschka in particular, made to the art of the 20th century.

Self-Portrait from two Sides, 1923, Oskar Kokoschka. Chalk lithography, four tones. Museum der Moderne Salzburg.

Self-Portrait from two Sides, 1923, Oskar Kokoschka. Chalk lithography, four tones. Museum der Moderne Salzburg. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

Oskar Kokoschka in front of the painting Self-Portrait from two Slides in Villeneuve, 1955. Photography mounted on cardboard. University of Applied Arts Vienna, Oskar Kokoschka-Zentrum.

Oskar Kokoschka in front of the painting Self-Portrait from two Slides in Villeneuve, 1955. Photography mounted on cardboard. University of Applied Arts Vienna, Oskar Kokoschka-Zentrum. ©René Burri/Magnum Photos

The exhibition is a cooperation between the Leopold Museum and the Oskar Kokoschka-Zentrum of the University of Applied Arts in Vienna, which houses over 5.000 Kokoschka photograhps, given by his widow Olda after the artist’s death.

Oskar Kokoschka portraying Mayor Theodor Körner at the Vienna town hall, with coty councelor in charge of cultural affairs Viktor Matejka in the background. Gelatin silver print. University of Applied Arts Vienna, Oskar Kokoschka-Zentrum.

Oskar Kokoschka portraying Mayor Theodor Körner at the Vienna town hall, with coty councelor in charge of cultural affairs Viktor Matejka in the background. Gelatin silver print. University of Applied Arts Vienna, Oskar Kokoschka-Zentrum. ©Wiener Stadt und Landesarchiv, Fotos des Presse und Informationdienstes

Federal President Theodor Körner as Mayor of Vienna, 1949, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Kunstmuseum Linz.

Federal President Theodor Körner as Mayor of Vienna, 1949, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Kunstmuseum Linz. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

Kokoschka was controversial and often provocative not only as an artist but also as a person. He was considered an ’enfant terrible’ in his early years, and then considered as a prominent ‘degenerate’ artist during the National Socialist era not just for his art but also for his open opposition to the regime.
As the curator of the exhibiton, Tobias G. Natter, points out, the »Leopold Museum’s relationship with Kokoschka’s oeuvre is highly complex. On the one hand, there is the Leopold Museum with its focus on Schiele and on the other, there is Kokoschka who jealously tried to torpedo Schiele’s international breakthrough from the 1960s onwards, vilifying him as a ›pornographer‹ and a copyist on more than one occasion«.

The Painter II (Painter and Model II), 1923, Oskar Kokoschka. Oil on canvas on board. Saint Louis Art Museum.

The Painter II (Painter and Model II), 1923, Oskar Kokoschka. Oil on canvas on board. Saint Louis Art Museum. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

The collector Rudolf Leopold, however, felt the search for quality in 20th century Austrian art to be more important than the artists’s criticism of his younger colleague and the museum houses what are, according to Tobias G. Natter, two of the artist’s most important paintings: »The self-portrait painted shortly after the end of World War I in 1918/19,a difficult period for the artist marred by self-doubt and inner turmoil, as well as the Dolomite landscape Tre croci from 1913, a moonlit scene influenced by the flaring chromaticity of El Greco and Tintoretto. The latter work was created in happier times, before the outbreak of the war, during a trip to the South Tyrolean mountains that Kokoschka took with the highly coveted ‘femme fatale’ Alma Mahler«.

Tre Croci - Dolomite Landscape, 1913, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Leopold Museum, Vienna.

Tre Croci – Dolomite Landscape, 1913, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Leopold Museum, Vienna. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

The exhibition shows approximately 220 photographs showing the artist’s professional and private life, in dialogue with the artist life’s work included in 32 paintings, 20 drawings, lithographs and posters by Kokoschka.

'Pietà'. Poster for the play Murderer, the Hope of Women at the Inernationale Kunstschau 1909.

‘Pietà’. Poster for the play Murderer, the Hope of Women at the Inernationale Kunstschau 1909. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

As usual, some useful information for your visit:

  • Leopold Museum website: http://www.leopoldmuseum.org/en
  • Dates and opening hours for the exhibition: from 4 October 2013 to 27 January 2014. Daily except Tuesday, from 10.00h to 18.00h; Thursday from 10.00h to 21.00h. Closed on Tuesdays.
  • Ticket Prices and Sales: General: 12€; students with ID (up to age 28): 7€;  Children up to 7: free.

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Museo Leopold: ‘Kokoschka. The Self in Focus’. Viena, del 4. Octubre 2013 al 27. Enero 2014.

Tres impresionantes artistas representan el Modernismo austriaco, llenos de innovación e ideas radicales: Gustav Klimt (1862–1918), Oskar Kokoschka (1886–1980) y Egon Schiele (1890–1918).
A diferencia de Klimt y del joven Schiele, quienes murieron en 1918, Oskar Kokoschka vivió hasta el año 1980 por lo que fue el único cuya obra se extendió a lo largo de casi todo el siglo XX.

Self-Portrait at the Easel, 1922, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Colección Leopoldo II.

Self-Portrait at the Easel, 1922, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Colección Leopoldo II. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

A lo largo de su vida, Kokoschka fue fotografiado en numerosas ocasiones y con esta exposición el Museo Leopold quiere ilustrar, de manera novedosa, mediante el dialogo entre la fotografía y la pintura, las diversas contribuciones que estos artistas, y Kokoschka en particular, hicieron al arte del siglo XX.

Exhibition poster

Exhibition ‘Kokoschka. The Self in Focus’ poster.

La exposición es una cooperación entre el Museo Leopold y el Centro Oskar Kokoschka de la Universidad de Artes Aplicadas de Viena, que posee más de 5.000 fotografías de Kokoschka que fueron donadas por su viuda Olda tras la muerte del artista.

Prague, View from the Moldova Pier IV, 1936, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. The Phillips Collection, acquired 1938.

Prague, View from the Moldova Pier IV, 1936, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. The Phillips Collection, acquired 1938. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

Oskar Kokoschka looking out over the Moldova, from the balcony of his studio in Prague, in the background Charles Bridge, 1936.

Oskar Kokoschka looking out over the Moldova, from the balcony of his studio in Prague, in the background Charles Bridge, 1936. University of Applied Arts Vienna, Oskar Kokoschka-Zentrum

Kokoschka fue una figura controvertida y a menudo provocativa, no sólo como artista sino también como persona. Fue considerado como ’enfant terrible’ en sus primeros años y más tarde como prominente artista ‘degenerado’ durante el periodo del Nacionalsocialismo, no sólamente por su arte sino por su abierta oposición al régimen.
Como apunta el comisario de la exposición, Tobias G. Natter, »la relación del Museo Leopold Museum’s con la obra de Kokoschka es muy compleja. Por un lado está el museo, con su centro de atención en la obra de Schiele y en el otro lado está Kokoschka quien celoso de Schiele intentó torpedear el éxito internacional de éste a partir de 1960, vilipendiándole en más de una ocasión como ‘pornográfico’ y como ‘copista’».
Portrait Herwarth Walden, 1910, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Staatsgalerie Stuttgart.

Portrait Herwarth Walden, 1910, Oskar Kokoschka. Oil on canvas. Staatsgalerie Stuttgart. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

Sin embargo el coleccionista Rudolf Leopold, creyó que la búsqueda de arte austriaco de calidad del siglo XX era más importante que la actitud crítica de Kokoschka hacia Schiele por lo que el Museo Leopold posee las que según Tobias G. Natter son dos de las obras más importantes del artista: »El autorretrato que pintó tras la I Guerra Mundial en 1918/19, un periodo difícil en el que se encontraba sacudido por las dudas acerca de sí mismo y la agitación interna, y el paisaje dolomita Tre Croci de 1913, una escena de luna claramente influenciada por el resplandor cromático de El Greco y Tintoretto. Éste trabajo fue creado en tiempos más felices, antes del comienzo de la guerra, durante un viaje al sur de las montañas del Tirol, que Kokoschka hizo en compañía de la codiciada ‘femme fatale’ Alma Mahler».

Alma Mahler and Oskar Kokoschka, 1913, Oskar Kokoschka. Carboncillo y tiza blanca sobre papel. Leopold Museum, Viena.

Alma Mahler and Oskar Kokoschka, 1913, Oskar Kokoschka. Carboncillo y tiza blanca sobre papel. Leopold Museum, Viena. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

La exposición incluye aproximadamente 200 fotografías que muestran la vida profesional y personal del artista, en diálogo con su trabajo, del que se incluyen 32 pinturas, 20 dibujos, litografías y posters realizados por Kokoschka.

Poster para una conferencia en la 'Asociación Académica para la Literatura y la Música', 1911.

Poster para una conferencia en la ‘Asociación Académica para la Literatura y la Música’, 1911. ©Fondation Oskar Kokoschka/VBK, Wien/Vienna 2013

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita: 

  • Página web del Museo Leopold: http://www.leopoldmuseum.org/en
  • Fechas y horario de apertura de la exposición: del 4 de octubre 2013 al 27 de enero 2014.
  • Diariamente, excepto los martes de 10.00h a 18.00h; jueves de 10.00h a 21.00h. Martes cerrado.
  • Tarifas y venta de entradas: General: 12€; estudiantes (con DNI y hasta 28 años): 7€;  menores hasta los 7 años: entrada gratuíta.

The National Gallery: ‘Facing the Modern: The Portrait in Vienna 1900’

by Paula Terán

London, from 9. October 2013 to 12. January 2014

The National Gallery is presenting the exhibition ‘Facing the Modern: The Portrait in Vienna 1900′, dedicated to the development of the portrait in Vienna, one of the most distinctive themes of the modern art in Austria at the end of the 19th century and the beggining of the 20th.

Self Portrait with Raised Bared Shoulder, 1912, Egon Schiele. Oil on wood. © Leopold Museum Private Foundation, Vienna

Self Portrait with Raised Bared Shoulder, 1912, Egon Schiele. Oil on wood. © Leopold Museum Private Foundation, Vienna.

Unlike other artists working at that time in other European cities, such as Paris, Berlin or Munich, the Viennese artists often worked on the basis of the commissions received from their patrons whom wanted to be portrayed. So the image of the individual, the Portrait, was a very relevant part of their work.

Posthumous Portrait of Ria Munk III, 1917-18, Gustav Klimt. Oil on canvas. © Property of The Lewis Collection

Posthumous Portrait of Ria Munk III, 1917-18, Gustav Klimt. Oil on canvas. © Property of The Lewis Collection

The exhibition explores the period around the year 1900 in Vienna, when the city still was the multi-national and multi-ethnic capital of the Austro-Hungarian Empire (1867-1918). This period ended with the rise of conservative, nationalist and anti-Semitic movements and Portraits were used by the middle classes, many of them immigrants with Jewish roots (the so-called ‘‘New Viennese’’), as the way to get its status and sense of belonging.

The viewer can identify and reconstruct the shifting identities of artists, patrons, families, friends, intellectuals and celebrities of Vienna’s society at that time.

Portrait of Empress Elisabeth, 1899, Gyula Benczúr. Oil on canvas. Hungarian National Museum Historical Gallery © Magyar Nemzeti Múzeum, Budapest

Portrait of Empress Elisabeth, 1899, Gyula Benczúr. Oil on canvas. Hungarian National Museum Historical Gallery
© Magyar Nemzeti Múzeum, Budapest

The exhibition shows paintings from major collections around the globe, including some of the most relevant of the Belvedere in Vienna and the MoMA in New York, together with others from smaller public and private collections. Other unusual works such as drawings, masks or photographs are also present.
Some wonderful paintings included in the exhibition are The Family (Self-Portrait) by Schiele (1918, Österreichische Galerie Belvedere, Vienna); Nude Self Portrait by Gerstl (1918, Leopold Museum, Vienna), Portrait of a Lady in Black by Gustav Klimt (about 1894, Private collection) and Portraits of Christoph and Isabella Reisser by Anton Romako (1884-5, Leopold Museum, Vienna).
Nude Self-Portrait with Palette, 1908, Richard Gerstl. Oil on canvas. © Leopold Museum Private Foundation, Vienna.

Nude Self-Portrait with Palette, 1908, Richard Gerstl. Oil on canvas. © Leopold Museum Private Foundation, Vienna.

The extraordinary Portrait of Hermine Gallia by Gustav Klimt (1904, The National Gallery, London), the only painting by this artist in the National Gallery, is also shown.

One of the rooms of the exhibition is devoted to the portrait as a declaration of love and commemoration of dead and another one, very special is dedicated to the unfinished or abandoned works that did not meet the expectation of the artists or the patrons.

Ria Munk on her Deathbed, 1912, Gustav Klimt. Oil on canvas. Private Collection Courtesy Richard Nagy Ltd., London © Photo courtesy of the owner.

Ria Munk on her Deathbed, 1912, Gustav Klimt. Oil on canvas. Private Collection Courtesy Richard Nagy Ltd., London
© Photo courtesy of the owner.

As usual, some useful information for your visit:

  • The National Gallery website: http://www.nationalgallery.org.uk/
  • Dates and opening hours for the exhibition: from 9 October 2013 to 12 January 2014. Monday to Sunday from 10.00h to 16.00h; Fridays from 10.00h to 21.00h.
  • Ticket Prices and Sales: Timed-ticket entry* (*ticket holders should enter the exhibition at the Sainsbury Wing during the half hour time slot on their ticket. You can stay as long as you like until closing procedures start, but there is no re-admission to the exhibition): General: £12.50 ; Students/Job seekers/12-18s: £5.50. Children up to 12: free.

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La National Gallery: ”Facing the Modern: The Portrait in Vienna 1900” (”Frente a la Modernidad: El Retrato en la Viena de 1900”). Londres , del 9. Octubre 2013 al 12. Enero 2014.

La National Gallery está presentando la exposición ”Facing the Modern: The Portrait in Viena 1900” (”Frente a la Modernidad: El Retrato en la Viena de 1900”), dedicada al desarrollo del retrato en Viena, uno de los temas más distintivos del arte moderno en Austria a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

The Family (Self Portrait), 1918, Egon Schiele. Oil on canvas. © Belvedere, Vienna.

The Family (Self Portrait), 1918, Egon Schiele. Oil on canvas. © Belvedere, Vienna.

A diferencia de otros artistas de la época que desarrollaban su trabajo en otras ciudades europeas como París, Berlin o Munich, los artistas vieneses a menudo trabajaban por encargo de sus mecenas, quienes deseaban ser retratados. De esta manera, la imagen del individuo, el Retrato, tuvo una gran relevancia dentro de su obra.

Portrait of Amalie Zuckerkandl, 1917-18, Gustav Klimt. Oil on canvas. © Belvedere, Vienna. Donated by Vita and Gustav Künstler.

Portrait of Amalie Zuckerkandl, 1917-18, Gustav Klimt. Oil on canvas. © Belvedere, Vienna.
Donated by Vita and Gustav Künstler.

La exposición explora el periodo aldedor del año 1900 en Viena, cuando la ciudad era la capital internacional y multiétnica del Imperio austro-húngaro (1867-1918).  Esta época finalizaría con el surgimiento de movimientos conservadores , nacionalistas y antisemíticos y los retratos eran utlizados por las clases medias burguesas, formadas en gran parte por inmigrantes de origen judío (los ‘nuevos vieneses’), como medio para declarar su estatus y su sentido de pertenencia.

El espectador puede identificar y reconstruir la identidad cambiante de los artistas, mecenas, familias, amigos, intelectuales y celebridades de la sociedad vienesa del momento.

ortrait of Albert Paris von Gütersloh, 1918, Egon Schiele. Oil on canvas. © The Minneapolis Institute of Arts, Minnesota Gift of the P. D McMillan Land Company.

Portrait of Albert Paris von Gütersloh, 1918, Egon Schiele. Oil on canvas. © The Minneapolis Institute of Arts, Minnesota
Gift of the P. D McMillan Land Company.

La exposición muestra pinturas de las grandes colecciones internacionales, incluyendo algunas de las obras más relevantes el Belvedere de Viena y del MoMA de Nueva York, junto a otras procedentes de colecciones más pequeñas, tanto públicas como privadas. También se incluyen trabajos menos habituales como dibujos, máscaras o fotografías.

Algunos de los cuadros que se pueden ver en la muestra son ‘The Family (Self-Portrait)’ – ‘La Familia (Autorretrato)’, de Schiele (1918, Galería Belvedere, Viena); ‘Nude Self Portrait’ – ‘Autorretrato desnudo’ de Gerstl (1918, Museo Leopold, Viena); ‘Portrait of a Lady in Black’ – ‘Retrato de una dama en negro’ de Gustav Klimt (alrededor de 1894, colección privada) y ‘Portraits of Christoph and Isabella Reisser’ – ‘Retratos de  Christoph y de Isabella Reisser’ de Anton Romako (1884-5, Museo Leopold, Viena).

Portrait of a Lady in Black, about 1894, Gustav Klimt. Oil on canvas. Belvedere, Vienna, Loan from a private collection © Belvedere, Vienna.

Portrait of a Lady in Black, about 1894, Gustav Klimt. Oil on canvas. Belvedere, Vienna, Loan from a private collection
© Belvedere, Vienna.

El extraordinario retrato de Hermine Gallia de Gustav Klimt (1904, National Gallery, Londres), única obra de este artista en la National Gallery, se muestra también en la exposición. La muestra también dedica una sala al retrato como declaración de amor y conmemoración de los difuntos y otra sala donde se exponen obras inacabadas o abandonadas al no responder a las expectativas del artista o del mecenas.

Silvia Koller with a Bird Cage, 1907-8, Broncia Koller. Oil on canvas. © Eisenberger Collection, Vienna.

Silvia Koller with a Bird Cage, 1907-8, Broncia Koller. Oil on canvas. © Eisenberger Collection, Vienna.

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita: 

  • Página web de la National Gallery: http://www.nationalgallery.org.uk/
  • Fechas y horario de apertura de la exposición: del 9 de octubre del 2013 al 12 de enero del 2014. De lunes a domingo de 10.00h a 18.00h; viernes de 10.00h a 21.00h.
  • Tarifas y venta de entradas: las entradas son con horario marcado* (*el poseedor de la entrada deberá entrar a la exposición por el ala Sainsbury a lo largo de la media hora que aparece en la entrada. Podrá permanecer en la exposición el tiempo que desee hasta el comienzo del cierre, pero no será readmitido una vez que la abandone). Tarifa general: £12.50; estudiantes/desempleados/ jóvenes con edades entre 12-18 años: £5.50. Niños hasta 12 años: entrada gratuíta.

Albertina: Matisse and the Fauves

by Paula Terán

Vienna, from 20. September 2013 to 12. January 2014

The ‘Fauvism’ is the first and shortest vanguard movement of the 20th century.
It lasted only from 1905 to 1907/08, and was formed by the ‘fauves’ (‘wild animals’ or ‘beasts’), analogy with which the work of a group of young artists was identified at that time.

The Open Window, 1905, Henri Matisse. Oil on canvas. National Gallery of Art, Washington, Collection of Mr. and Mrs. John Hay Whitney

The Open Window, 1905, Henri Matisse. Oil on canvas. National Gallery of Art, Washington.

Henri Matisse (1869-1954) was the head and the leader of the fauves and the Albertina museum is now presenting some of the most relevants works by these artists for the first time ever in Vienna and Central Europe.
The exhibition is showing around 160 works, including not only paintings but also drawings, lithographs, ceramics, glass objects and other sculptural art works.

Henri Matisse, 1905, André Derain. Oil on canvas. Tate, London.

Henri Matisse, 1905, André Derain. Oil on canvas. Tate, London.

Matisse and his ‘fauves’ friends, André Derain, Maurice de Vlaminck, Henri Mang, Albert Marquet, Geroge Braque, among others, revolutionised the conception of art at that moment by capturing the nature and the motifs of their paintings, not by imitation but using arbitrarily selected and intensely brilliant colours, sketchy brushstrokes and unmodeled colour areas.
Matisse considered the subject and the background as equal, and did not allow any main subject to become the focus of his works.
The motif was secondary. What counted was expression, and not only in their paintings but also in their sculptures and furniture.

Pond at Ursine near Chaville, 1905, Maurice de Vlaminck. Oil on canvas. Collection Triton Foundation, The Netherlands.

Pond at Ursine near Chaville, 1905, Maurice de Vlaminck. Oil on canvas. Collection Triton Foundation, The Netherlands.

Some of the Fauves’ most important elements of artistic inspiration were Van Gogh’s dense brushstroke, Cezanne’s unfinished canvasses and Paul Signac’s scientific colour theories.
They were also influenced by the sculptures of Africa and Oceania that they became to know.
The Golden Age, ca. 1905, André Derain. Oil on canvas. Watercolor. Collection Triton Foundation, The Netherlands.

The Golden Age, ca. 1905, André Derain. Oil on canvas. Watercolor. Collection Triton Foundation, The Netherlands.

The exhibition gives also great importance to the works on paper of the Fauves, with a particular section dedicated to the drawings and the watercolours.

Seated Nude Combing Her Hair, 1906, Georges Braque. Oil on canvas.  Milwaukee Art Museum, United States.

Seated Nude Combing Her Hair, 1906, Georges Braque. Oil on canvas. Milwaukee Art Museum, United States.

As usual, some useful information for your visit:

  • Albertina website: http://www.albertina.at/en
  • Dates and opening hours for the exhibition: from 20 September 2013 to 12 January 2014. Monday to Sunday from 10.00h to 18.00h; Wednesday from 10.00h to 21.00h.
  • Ticket Prices and Sales: General: 11,90€; students with ID (up to age 26): 8,50€;  Children up to 19: free.

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Museo Albertina: ‘Matisse y los Fauves’, Viena, del 20. Septiembre 2013 al 12. Enero 2014.

El ‘Fovismo’ fue el primero y más breve de los movimientos del vanguardismo del siglo XX.
Se desarrolló entre los años 1905 a 1907/08, y estaba formado por los ‘Fauves’ (fieras), analogía con la que el trabajo de este grupo de jóvenes artistas se identificó en aquel momento.

Still Life with Red Carpet, 1906, Henri Matisse. Oil on canvas. Musée de Peinture et Sculpture, Grenoble.

Still Life with Red Carpet, 1906, Henri Matisse. Oil on canvas. Musée de Peinture et Sculpture, Grenoble.

Henri Matisse (1869-1954) fue el padre y el líder de los Fauves, y el museo Albertina presenta ahora por primera vez en Viena y en Europa central  algunos de los trabajos más relevantes realizados por estos artistas.
La exposición consta de unoas 160 obras e incluye no sólo pinturas sino también dibujos, litografías, cerámicas, trabajos en cristal y otras obras de escultura.

Collioure, 1905, André Derain. Oil on canvas. Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh.

Collioure, 1905, André Derain. Oil on canvas. Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh.

Matisse y sus amigos ‘fauves’, André Derain, Maurice de Vlaminck, Henri Mang, Albert Marquet, Geroge Braque, entre otros, revolucionaron la concepción existente del arte en ese momento, capturando la naturaleza y los motivos de sus pinturas, no a través de la imitación de los mismos sino utlizando colores brillantes y seleccionados de manera arbitraria, con pinceladas superficiales y áreas de color no modelado.
Matisse consideraba el tema o motivo prinicipal de la obra y el fondo iguales, sin dejar que el tema principal se convirtiera en el centro de atención de sus trabajos.
El motivo era algo secundario. En los Fauves lo que contaba era la expressión, y no sólo en sus pinturas sino también en las obras de escultura y de mobiliario.

Nudes with Ibises, 1907, Robert Delaunay. Oil on canvas. Albertina, Vienna - Batliner Collection.

Nudes with Ibises, 1907, Robert Delaunay. Oil on canvas. Albertina, Vienna – Batliner Collection.

Algunos de los más importantes elementos de inspiracion para los Fauves fueron la pincelada pastosa de Van Gogh, los lienzos inacabados de Cezanne o las teorías ciéntificas sobre el color de Paul Signac.
También las esculturas de África y Oceanía que conocieron, ejercieron gran influencia en sus trabajos.
The Prints, 1905, Henri Manguin. Oil on canvas. Madrid, Museum Thyssen-Bornemisza.

The Prints, 1905, Henri Manguin. Oil on canvas. Madrid, Museum Thyssen-Bornemisza.

La exposición destaca también la importancia de los trabajos en papel de los Fauves, dedicando una sección específica a los dibujos y acuarelas.

The Girls, 1905/06, André Derain. Watercolor and pencil on paper. Musée national d'Art moderne - Centre Georges Pompidou, Paris.

The Girls, 1905/06, André Derain. Watercolor and pencil on paper. Musée national d’Art moderne – Centre Georges Pompidou, Paris.

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita: 

  • Página web del museo Albertina: http://www.albertina.at/en
  • Fechas y horario de apertura de la exposición: del 20 de septiembre 2013 al 12 de enero 2014.
  • De lunes a domingo de 10.00h a 18.00h; miércoles de 10.00h a 21.00h.
  • Tarifas y venta de entradas: General: 11,90€; estudiantes (con DNI y hasta 26 años): 8,50€;  menores hasta los 19 años: entrada gratuíta.

The Metropolitan Museum of Art: New European Paintings Galleries

by Paula Terán

New York , opened in 23. May 2013

This is not a temporary exhibition. This is the ‘total’ exhibition. The ‘new’ permanent exhibition and the new home of some of the most amazing works of art in the world: the collection of European Old Master paintings, from 13th through the early 19th century (1250-1800), owned by the Metropolitan Museum of Art.

Rubens, His Wife and Their Son, Ca.1635, Peter Paul Rubens. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

Rubens, His Wife and Their Son, Ca.1635, Peter Paul Rubens. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

The galleries where these works were previously installed have been renovated for the first time since 1951 and re-opened in May this year.
A total of 45 galleries are able to show now more than 700 paintings, organized both cronologically and geographically.

During the last four decades, the collection of European Paintings has been increased with gifts and bequests from collectors as well as important museum’s acquisitions such as the portrait of ‘Juan de Pareja’ by Velazquez in 1971, ‘Study of a Young Woman’ by Vermeer in 1979, ‘Venus and Cupid’ by Lorenzo Lotto, in 1986, ‘Rubens, His Wife Helena Fourment, and Their Son Frans’ by Rubens, in 1988 or ‘Denial of Saint Peter’ by Caravaggio, acquired in 1997.

The Harvesters, 1565, Pieter Bruegel the Elder. Oil on wood. The Metropolitan Museum of Art, New York.

The Harvesters, 1565, Pieter Bruegel the Elder.
Oil on wood. The Metropolitan Museum of Art, New York.

The collection begins with the presentation of the Nothern schools, German, Dutch, Flemish and British and it includes paintings by Jan van Eyck, Bruegel, Patinir, Memling, Dürer, Cranach, Rembrandt, Vermeer, Van Dyck, Rubens and Sir Thomas Lawrence, among others.

Aristotle with a Bust of Homer, 1653, Rembrandt van Rijn. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

Aristotle with a Bust of Homer, 1653, Rembrandt van Rijn.
Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

It continues with the Italian painting, divided between the Renaissance, with Giotto, Duccio, Raphael and Titian, and the 17th and 18th centuries, showing works from Carraci, Caravaggio, Canaletto or Tiepolo. Also the French painting is present with works from 17th and 18th centuries.

Finally, the Spanish great paintings by Ribera, El Greco, Velázquez and Murillo, and, at the very end of the path, Goya which paintings are show in a gallery, alone, giving him the deserved protagonism, as the master between the past and the present.

View of Toledo, 1596-1600, El Greco. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

View of Toledo, 1596-1600, El Greco.
Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

Breathtaking: what a splendid and magic place to enjoy!

As usual, some useful information for your visit:

  • The Metropolitan Museum of Art: http://www.metmuseum.org/
  • Opening hours: Sunday–Thursday: 10:00 a.m.–5:30 p.m; Friday and Saturday: 10:00 a.m.–9:00 p.m
  • Ticket Prices and Sales: Recommended: Adults: 25$; Seniors (65 and older): 17$; Students: 12$; Children under 12 (accompanied by an adult): Free.

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Museo Metropolotiano de Arte: Nuevas Galerías de Pintura Europea de los años 1250-1800.

Nueva York, re-apertura desde el 23. Mayo 2013.

Esta no es una exposición temporal. Es la ‘exposición total’. La ‘nueva’ exposición permanenete y el nuevo hogar de algunas de las más increíbles obras de arte del mundo: la colección de pintura europea de maestros antiguos, desde el siglo XIII hasta comienzos del siglo XIX (1250-1800), que posee el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Juan de Pareja, 1650, Velázquez. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

Juan de Pareja, 1650, Velázquez. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

Las galerías donde anteriomente se encontraban estas obras, han sido ahora renovadas por primera vez desde 1951, y abiertas de nuevo en mayo de este año.

Un total de 45 galerías hacen posible mostrar más de 700 cuadros, organizados tanto cronológicamente como geográficamente.

Durante las últimas cuatro décadas, la colección de Pintura Europea del museo se ha ido incrementando con donaciones y legados de coleccionistas, así como importantes adquisiciones realizadas por el museo, tales como el retrato de ‘Juan de Pareja’ de Velazquez en 1971, ‘Estudio de una Mujer Jóven’ de Vermeer en 1979, ‘Venus y Cupido’ de Lorenzo Lotto, en 1986, ‘Rubens, Su Mujer Helena Fourmet, y su Hijo Frans’ de Rubens, en 1988 o ‘La Negación de San Pedro’ de Caravaggio, adquirido 1997.

The Denial of Saint Peter, Ca. 1610, Caravaggio. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

The Denial of Saint Peter, Ca. 1610, Caravaggio. Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York.

La colección comienza presentando las escuelas del Norte, la escuela alemana, la holandesa, la flamenca y la inglesa, que incluyen obras de Jan van Eyck, Bruegel, Patinir, Memling, Durero, Cranach, Rembrandt, Vermeer, Van Dyck, Rubens o Sir Thomas Lawrence, entre otros.

Continúa con la pintura italiana, dividida entre la pintura del Renacimiento, con Giotto, Duccio, Rafael o Tiziano, y la pintura de los siglos XVII y XVIII que muestra las obras de artistas como Carraci, Caravaggio, Canaletto o Tiepolo. También la pintura francesa está presente con obras fundamentalmente de los siglos XVII y XVIII.

Venus y Cupido, late 1520s, Lorenzo Lotto Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Venus y Cupido, late 1520s, Lorenzo Lotto
Oil on canvas. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Por último la gran pintura española de Ribera, El Greco, Velázquez y Murillo y, al final del camino, Goya cuyas pinturas se muestran en una galería, solas, dando al artista el merecido protagonismo como maestro entre el pasado y el presente. 

En definitiva, ¡un impresionante y mágico lugar que disfrutar!

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita: 

  • Página web del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York: http://www.metmuseum.org/
  • Horario: de domingo a jueves: de 10.00h a 17.30h; viernes y sábado de 10.00h a 21.00h.
  • Tarifas y venta de entradas (precios recomendados) General: 25$; Seniors (a partir de años): 17$; Estudiantes: 12$; Niños menores de 12 años (acompañados por un adulto): entrada gratuíta.

MoMA: ‘Magritte: The Mistery of the Ordinary, 1926-1938’

by Paula Terán

New York, from 28. September 2013 to 12 January 2014

René Magritte (1898-1967) is probably the most famous Belgian artist of the 20th century, whose works have been massively used, adapted or imitated in advertisements, posters, albums or book covers, decorative objects etc., so that some of them have become authentic icons of the last century. As the Warhol’s prints of Marilyn or the Van Gogh’s Sunflowers.

René Magritte Le faux miroir (The False Mirror). René Magritte, 1929. Oil on canvas. The Museum of Modern Art, New York.

Le faux miroir (The False Mirror), 1929, René Magritte. Oil on canvas. The Museum of Modern Art, New York.

He is considered as a Surrealist painter who usually represented a collection of ordinary objects in an unusual context or space (like a train coming out of a chimney, or a glass of water placed on an unbrella), giving new meanings to familiar things, and challenging the viewer preconditioned perceptions of reality and the ‘real world’ itself, in his words.
He would paint a simple object like a pipe or an apple and then write below ‘‘Ceci n’est pas une pipe’’ or ‘‘Ceci n’est pas une pomme’’ (‘‘This is not a pipe’’ or ‘‘This is not an apple’’), denying what was obvious to be seen. Only an apparent contradiction as indeed, he was pointing out that no matter how realistic the object represented seemed to be, the painting could never catch the pipe or the apple itself.

Magritte’s would describe his art as “visible images which conceal nothing; they evoke mystery and, indeed, when one sees one of my pictures, one asks oneself this simple question, ‘What does that mean?’. It does not mean anything, because mystery means nothing either, it is unknowable.”

La trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) (The Treachery of Images [This is Not a Pipe]), 1929, René Magritte. Oil on canvas. Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California

La trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) (The Treachery of Images [This is Not a Pipe]), 1929, René Magritte. Oil on canvas. Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California.

The Museum of Modern Art of New York, MoMA, will be presenting the exhibition ‘‘Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1926-1938’’. It has been organized in collaboration with the Menil Collection in Houston and the Art Institute of Chicago, where it will be shown as well (at The Menil Collection between 14th February – 1st June, 2014, and at The Art Institute of Chicago between 29th of June -12th October 2014).

The retrospective is focused on Magritte’s essential works from the 1920’s and 1930‘s, and shows over 80 paintings, collages, drawings, and objects, along with a selection of photographs, periodicals, and early commercial work, exploring and tracing his development as a definitive Surrealist painter. In addition to works from MoMA’s collection, the exhibitions includes many loans from public and private collections all over the world.

L’assassin menacé (The Menaced Assassin), 1927, René Magritte. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York.

L’assassin menacé (The Menaced Assassin), 1927, René Magritte. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York.

The retrospective begins in 1926, with the paintings and collages that Magritted created in Brussels which, in his own words, “challenged the real world”, and that would gained him recognition as a Surrealist painter.
It also follows Magritte to Paris, where he lived from 1927 to 1930, essential years where he met Surrealists like André Breton, Salvador Dalí, and Joan Miró, and created his first word-image paintings. At that moment, his art was at times violent and disturbing. He started then using methods that included the misnaming of objects, doubling, repetition and mirroning. Some of Magritte’s most radical and famous works are from that period in Paris.
Paintings like ‘’The Lovers’’ (1928) where he invokes de cliché of a close-up kiss, but radically changing the voyeuristic side of the image by covering the faces with a cloth. Or ‘’The Treachery of Images ‘’(1929) representing the ‘‘Ceci n’est pas une pipe’’ pipe, or the female nude ‘‘The Eternally Obvious’’ (1930). These paintings will be shown together in this exhibition for the first time since 1931.

Les amants (The Lovers), 1928, René Magritte. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York

Les amants (The Lovers), 1928, René Magritte. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York.

In 1930 he returned to Brussels where he continued searching for new forms of image making and created paintings that depicted disturbing and unexpected associations between objects.

The exhibitions ends in 1938,  just before the outbreak of the Second World War and the year Magritte delivered an important retrospective account of what had made him a Surrealist painter.    

As usual, some useful information for your visit:

  • Museum of Modern Art, MoMA website: http://www.moma.org/
  • Dates and opening hours for the exhibition: from 28 September 2013 to 12 January 2014. Monday to Sunday from 10.30h to 17.30h; Friday from 10.30h to 20.00h.
  • Ticket Prices and Sales: General: 25$; Children up to 16: free.

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The Museum of Modern Art (MoMA): ‘Magritte: El Misterio de lo Ordinario, 1926-1938’, del 28. Septiembre 2013 al 12. Enero 2014.

René Magritte (1898-1967) es seguramente el más famoso artista belga del siglo XX, cuyas obras han sido masivamente utilizadas, adaptadas o imitadas en pósters publicitarios, portadas de álbumes o libros, objetos decoraticos, etc., de manera que algunas de sus imágenes se han convertido en auténticos iconos del pasado siglo. De la misma manera que las serigrafías sobre Marilyn de Warhol, o los Girasoles de Van Gogh.

La condition humaine (The Human Condition), 1933, René Magritte. Oil on canvas. National Gallery of Art, Washington.

La condition humaine (The Human Condition), 1933, René Magritte. Oil on canvas. National Gallery of Art, Washington.

Magritte es considerado como un pintor Surrealista que frecuentemente representaba una colección de objetos ordinarios en un contexto o espacio no habitual (como un tren que sale de una chimenea, o un vaso de agua colocado sobre un paraguas), dando un nuevo significado a las cosas familiares, y desafiando las percepciones precondicionadas del espectador hacia la realidad. Desafiando el propio ‘mundo real’, según sus propias palabras.
Así, llegaría a pintar un simple objeto como una pipa o una manzana, escribiendo debajo ‘‘Ceci n’est pas une pipe’’ o ‘‘Ceci n’est pas une pomme’’ (‘‘Esto no es una pipa’’ o ‘‘Esto no es una manzana’’), negando lo que era obvio a la vista. Sin embargo se trataba sólo de una contradicción aparente ya que lo que Magritte señalaba era precisamente que no importaba lo realista que la representación del objeto fuera, la obra nunca podría alcanzar la propia pipa o manzana.

Magritte describía su arte como ”imágenes visibles que no esconden nada; evocan misterio y, efectivamente, cuando uno ve mis cuadros se pregunta esta simple cuestion: ”Qué quiere decir?’. No quiere decir nada, porque el misterio no significa nada tampoco, es inescrutable’.

La durée poignardée (Time Transfixed). 1938, René Magritte. Oil on canvas. The Art Institute of Chicago, Chicago.

La durée poignardée (Time Transfixed), 1938, René Magritte. Oil on canvas. The Art Institute of Chicago, Chicago.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMA, presenta la exposición ”Magritte: El Misterio de lo Ordinario, 1926-1938”, organizada en colaboración con la Colección Menil de Houston y el Instituto de Arte de Chicago, donde también se expondrá posteriormente (en la ‘Menil Collection’ entre el 14 de febrero y el 1 de junio del 2014, y en el ‘Art Institute of Chicago’ entre el 29 de junio y el 12 de octubre del 2014).

La retrospectiva se centra en las obras más relevantes de Magritte de los años 20 y 30, y muestra alrededor de 80 cuadros, además de collages, dibujos y objetos, junto a una selección de fotografías y artículos, explorando y rastreando el desarrollo del pintor Surrealista. Además de las obras de la propia colección del MoMA, la exposición incluye también numerosos préstamos de colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

La reproduction interdite (Not to be Reproduced), 1937, René Magritte. Oil on canvas. Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam.

La reproduction interdite (Not to be Reproduced), 1937, René Magritte. Oil on canvas. Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam.

Cronológicamente la exposición comienza en 1926, con las pinturas y los collages que Magritte realizó en Bruselas, los cuales, según sus propias palabras, ”retaban el mundo real” y que le proporcionaron el reconocimiento como pintor Surrealista.
Sigue también a Magritte en París, donde vivió entre 1927 y 1930, años esenciales donde conoció a Surrealistas como André Breton, Salvador Dalí, y Joan Miró, y donde creó sus primeras pinturas ‘palabra-imagen’. Su obra en ese momento es en ocasiones violenta y perturbadora. Comenzó también a utlizar métodos que incluirían llamar a los objetos por otro nombre, duplicación, repetición y utilización de imágenes-espejo.

Algunos de las más radicales y famosas obras de Magritte son de ese periodo parisino. Obras como ”Los Amantes” (1928) donde invoca el cliché de un primer plano de un beso, pero cambiando de manera radical la vertiente voyerista de la imagen, mediante la colocación de un paño sobre los rostros que se besan. O ”La Traición de las Imágenes” (1929) representando la pipa ”Ceci n’est pas une pipe’’, o el desnudo femenino ”Lo Eternamente Obvio” (1930). Todos estos cuadros se van a mostrar juntos en esta exposición por primera vez desde 1931.

Le Palais de rideaux, III (The Palace of Curtains, III), 1928-29, René Magritte. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York.

Le Palais de rideaux, III (The Palace of Curtains, III), 1928-29, René Magritte. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York.

La muestra finaliza su recorrido en 1938, justo antes del comienzo de la II Guerra Mundial, y momento más revelador de la obra de Magritte, que le llevó a ser considerado un pintor Surrealista.

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita:

  • Página web del Museo de Arte Moderno, MoMA: http://www.moma.org/
  • Fechas y horario de apertura de la exposición: del 28 de septiembre del 2013 al 12 de enero del 2014. De lunes a domingo de 10.30h a 17.30h; viernes de 10.30h a 20.00h.
  • Tarifas y venta de entradas: General: 25$; menores hasta los 16 años: entrada gratuíta.

Munch Museum & Nasjonalmuseet Oslo: Munch 150

by Paula Terán

Oslo , from 2. June to 13. October 2013

Oslo is Munch’s home.
It is the city where more and better you can enjoy Munch’s art. And now even more than ever, with the celebration of the 150th anniversay of the birth of Edvard Munch (1963-1944), the most famous Norwegian painter and printmaker and one of the pioneers of modern European art.

Self-portrait, 1886, Edvard Munch.  Oil on canvas. National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

Self-portrait, 1886, Edvard Munch. Oil on canvas. National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

The exhibition ‘Munch 150’ is the largest retrospective ever held of the artist.
It has been organized as a single exhibition by the two museums with the largest collection of works by Munch in the world, the National Museum of Art, Architecture and Design, and the Much Museum, both in Oslo.
Precisely the Munch Museum was opened fifty years ago, in 1963 to mark the 100th anniversary of Munch’s birth. It contains almost 28.000 works of art by Munch, including 1.150 paintings, 17.800 prints, 7.500 drawings, 21 sculptures, in addition to personal effects, text, photos, working tools and the artist’sprivate book collection. The numbers are impressive as the artist worked intensely since he was about 20 years old until he died aged 80. Of course, it’s not possible for the museum to show the entire collection but only the main works.

Starry Night, 1922–24, Edvard Munch. Oil on canvas. Munch Museum, Oslo

Starry Night, 1922–24, Edvard Munch. Oil on canvas. Munch Museum, Oslo

For this exhibition over 270 works have been selected, covering a period of more than 60 years, to provide a complete perspective on Munch work at the exhibition venues: works from the period between 1882 and 1903 are being exhibited at the National Gallery of the National Museum, and those from the period between 1904 and 1944 are displayed at the Munch Museum. But this exhibition goes even further and shows works on loan from public and private collectors around the world.

The Storm, 1893, Edvard Munch. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York

The Storm, 1893, Edvard Munch. Oil on canvas. Museum of Modern Art, New York

It is known that the experiences of his childhood, with the death of his mother when he was only five and his sister some years after, set the course of Munch’s personality and his art.
He considered himself that he had a troubled personality which was the basis of his genious and he tried to dissect souls.
He would say he inherited two of mankind’s most frightful enemies—the heritage of consumption and insanity.
So, even if he did not have a real academic training, he would start to repeatedly evoke themes such as anxiety, love, jealousy and death in his paintings. But he was also exposed soon to the international art enviroment specially in Paris and Berlin. He was clearly influenced by the Impressionism during the first years of his career, but then would be considered as a  symbolist painter and also precursor of the Expressionism.

If there is an image that comes to mind when we talk about Edvard Munch is the image of his painting The Scream, from 1893. It’s probably the most famous representation of the anguish, with the face expressing the universal fear, reinforced with the blood red colors and the curving lines of the landscape. Munch painted four versions of The Scream and also several prints, as he very often repeated and varied his themes.

From 1900 the artist started to use other themes, with more focus on nature and light, as shown by major works such as The Sun (1910-1913). Also interesting to highlight his work as a portraitist and his self-portraits which have a prominent place in the exhibition.

The Scream, 1893, Edvard Munch. Tempera and crayon on cardboard. National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

The Scream, 1893, Edvard Munch. Tempera and crayon on cardboard. National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

But Munch’s 150th anniversary does not remain only in Oslo, in spite of being this the most out-standing site. It’s also celebrated internationally with exhibitions held in USA (‘Munch/Warhol and the multiple image’ 27 April – 27 July, Scandinavia House, New York), Switzerland (‘Edvard Munch, Master Prints 1894-1944’, 4 October- 12 January, Kunsthaus Zürich), Sweden (‘Munch!’, 9 February – 12 May, Thiel’s Gallery, Stockholm, and ‘Scandinavian Pain: Ragnar Kjartansson and Edvard Munch’, 3 May – 25 August, Moderna Museet, Malmö) and Germany (‘From the first kiss to death’ 6 July – 6 October, Staatsgalerie, Stuttgart).All of them join the show already presented by the Tate Gallery last year (‘Munch: The Modern Eye’) and they all will be joined by others in the coming months like the exhibition that the Thyssen Museum in Madrid would be preparing for the 2015.
So if you are interested in exploring Munch world this seems to be a great and busy time to do so!

As usual, some useful information for your visit:

  • Munch Museum website: http://www.munch.museum.no/Dokument/For-English-visitors;
  • National Museum of Art, Architecture and Design: http://www.nasjonalmuseet.no/en/;
  • Dates and opening hours for the exhibition: from 2 June to 13 October 2013. Monday to Sunday from 10.00h to 17.00h; Thursday from 10.00h to 19.00h.
  • Ticket Prices and Sales: General: Munch-pass NOK 130 (approximately 16,25€); Single ticket NOK 95 (approximately 11,85€); Children up to 19: free.

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Museo Munch & Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo: Munch 150. Oslo , del 2. Junio al 13. Octubre 2013.

Oslo es el hogar de Munch.
Es la ciudad donde más y mejor se puede disfrutar del arte de Munch. Y ahora más aún que nunca, con la celebración del 150 aniversario del nacimiento de Edvard Munch (1963-1944), el más famoso pintor y grabador noruego y uno de los pioneros del arte moderno europeo.

Self-Portrait with Cigarette, 1895, Edvard Munch. Oil on canvas. National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

Self-Portrait with Cigarette, 1895, Edvard Munch. Oil on canvas. National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

La exposición ‘Munch 150’ es la mayor retrospectiva nunca realizada del artista. Ha sido organizada como una única exposición por los dos museos que poseen la mayor colección de obras de Munch del mundo, el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, y el Museo Munch, ambos en Oslo.
Precisamente el Museo Munch fue inaugurado hace cincuenta años, en 1963, coincidiendo con la celebración del centenario del nacimiento del artista. Posee casi 28.000 obras de arte de Munch, incluyendo 1.150 pinturas, 17.800 grabados, 7.500 dibujos, 21 esculturas, además de diversos objetos personales, textos, fotos, utensilios de trabajo y la colección privada de libros del artista. Los números son impresionantes ya que Munch trabajó intensamente desde sus comienzos cuando tenía alrededor de 20 años, hasta su muerte a la edad de 80 años. Naturalmente el museo no puede mostrar la collección en su totalidad sino las obras más relevantes. 

Summer Night. The Voice, 1896, Edvard Munch. Oil on unprimed canvas. Munch Museum, Oslo

Summer Night. The Voice, 1896, Edvard Munch. Oil on unprimed canvas. Munch Museum, Oslo

Para esta exposición, has sido seleccionados más de 270 trabajos, que abarcan un periodo de más de 60 años, para ofrecer una perspectiva completa de la obra de Munch, y que se exponen en los dos lugares en los que transcurre la muestra: las obras del periodo que abarca los años 1882 a 1903 se muestran en la National Gallery del Museo Nacional, mientras que las obras pertenecientes al periodo que va de 1904 a 1944 se presentan en el Museo Munch. Pero la exposición va más allá y también incluye obras en préstamo procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo. 

The Ladies on the Bridge, 1903, Edvard Munch. Oil on canvas. Thielska Galleriet, Stockholm

The Ladies on the Bridge, 1903, Edvard Munch. Oil on canvas. Thielska Galleriet, Stockholm

Sabemos que las experiencias de su infancia, con la muerte de su madre cuando Munch apenas tenía cinco años y la de su hermana algunos años más tarde, marcaron su personalidad y su arte.
El artista decía de sí mismo que tenía una personalidad problemática que él consideraba como la base de su genialidad, y que su arte intentaba ‘diseccionar almas’.
Asimismo diría que había ‘heredado los dos enemigos más terribles de la condición humana, el patrimonio de la tuberculosis y la locura’.
Así, aunque nunca recibió una formación artística académica, el artista empezaría a evocar repetidamente ciertos temas como la ansiedad, el amor, los celos y la muerte en sus obras. Pero también entró pronto en contacto con el ambiente artístico internacional, especialemente en París y Berlín. Estuvo claramente influenciado por el Impresionismo durante los primeros años aunque sería considerado mayoritariamente como un artista perteneciente al simbolismo, además de precursor del expresionismo.

Pero si hay una imagen que acude a nuestra mente cuando hablamos de Edvard Munch es la imagen de su cuador El Grito, de 1893. Posiblemente la más famosa representación de la angustia, con el rostro que expresa el miedo universal, reforzado con la utilización de los tonos rojo sangre y las líneas curvas del paisaje. Much pintó hasta cuatro versiones de El Grito, ya que era habitual que repitiera y realizara diferentes variaciones sobre los mismo temas.

A partir de 1900, comenzó a utlizar otros temas, centrandose más en la naturaleza y la luz, como muestran algunas de sus obras de este momento, como El Sol (1910-1913). También es interesante destacar su trabajo como retratista así como sus autorretratos, que ocupan un lugar importante en la exposición.

The Sun, 1911, Edvard Munch. Oil on canvas. Universitetet i Oslo, Aulaen

The Sun, 1911, Edvard Munch. Oil on canvas. Universitetet i Oslo, Aulaen

Pero la celebración del 150 aniversario del nacimiento de Munch no se queda sólo en Oslo, pese a ser este el principal lugar. También internacionalmente se han organizado diferentes exposiciones que conmemoran esta fecha. Así en EEUU (‘Munch/Warhol y la imagen múltiple’ 27 Abril- 27 Julio, Scandinavia House, New York), Suiza (‘Edvard Munch, Master Prints 1894-1944’, 4 Octubre- 12 Enero, Kunsthaus Zürich), Suecia (‘Munch!’, 9 Febrero – 12 Mayo, Thiel’s Gallery, Estocolmo, y ‘Dolor Escandinavo: Ragnar Kjartansson y Edvard Munch’, 3 Mayo – 25 Agosto, Moderna Museet, Malmö) y Alemania (‘Del primer beso a la muerte’ 6 Julio – 6 Octubre, Staatsgalerie, Stuttgart).

Todas ellas se unen a la muestra presentada por la Tate Gallery el pasado año (‘Munch: El Ojo Moderno’) y a ellas se unirán asimismo otras en los próximos meses como la exposición que tiene planeada el Museo Thyssen en Madrid para el año 2015.

Así que si está interesado en explorar el mundo de Munch ¡este parece ser un momento ideal para hacerlo!

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita: 

Van Gogh Museum: Van Gogh at work

by Paula Terán

Amsterdam, from 1. May 2013 to 12. January 2014

You have probably ever been at the Van Gogh Museum in Amsterdam as it receives almost 2 million visitors a year. Otherwise, maybe you should think about going there soon!
It has the largest collection of Van Gogh’s work in the world but also other paintings, sculptures, drawings and prints that represent the art of Van Gogh’s time.

Young Peasant Girl with a Hoe, 1882, Jules Breton. Oil on canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

Young Peasant Girl with a Hoe, 1882, Jules Breton. Oil on canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

The museum is young. It opened in 1973 and, after a period of renovation of its facilities at the end of 2012, it has reopened earlier this year with a 40th anniversary exhibition entitled ‘Van Gogh at work’.

The exhibition shows chronologically the development of Van Gogh’s working methods and his art, from the first experimental drawings to his most famous later pieces.
It is based on the major research project ‘Van Gogh’s Studio Practice’, that started in 2005 and that has been conducted during eight years by a team of researchers that have examinated hundreds of paintings and works of Van Gogh’s complete career.
That study showed the extent to which Van Gogh´s evolution was based on experimentation, reading, and study.

The harvest, 1888, Vincent van Gogh. Oil on canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

The harvest, 1888, Vincent van Gogh. Oil on canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

 ´Van Gogh at work’ includes around 200 works, including not only paintings but also letters and personal effects of the artist, like sketchbooks, paint tubes, perspective frames or the only existing palette from the artist, that belongs to the Musée d’Orsay in Paris. Also, different museums have contributed giving works by Monet, Gauguin, Seurat or Van Gogh on loan. So it’s possible to see the ‘Sunflowers’ from the National Gallery in London, next to the ‘Sunflowers’ from the Van Gogh Museum. And ‘The Bedroom’ from the Art Institute of Chicago next to the museum’s version.

The Bedroom, 1889. Vincent van Gogh. Oil on canvas. The Art Institute of Chicago Helen Birch Bartlett Memorial Collection

The Bedroom, 1889. Vincent van Gogh. Oil on canvas. The Art Institute of Chicago
Helen Birch Bartlett Memorial Collection

What the research revealed, and what is now to be discovered in this exhibition, is how Van Gogh was not the spontaneous and impulsive artist that people thought and that his works seemed to show too.
There is a certain myth around Van Gogh’s art, the idea that he improvised and he worked fast, while in reality his working methods were planned, methodical and based on trial and error. We are able to see the materials and the colours that the artist carefully chose and the conditions under which he worked. Also paint samples can be examined under a microscope to discover discoloured spots or even grains of sand in some of the open air paintings. http://www.youtube.com/watch?v=awdbtj0me8E

In definitive this exhibitions wants to tell the story of how Van Gogh became the artist we know and it invite us to follow him on his path.

Have you wanted to visit Amsterdam? Here is another reason to do so.

As usual, some useful information for your visit:

  • Van Gogh Museum website: http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/
  • Dates and opening hours for the exhibition: from 1 May 2013 to 12 January 2014.
  • 2 May to 1 September 2013: daily 9 am until 6 pm; 2 September to 26 December 2013: daily 9 until to 5 pm; 27 December 2013 to 5 January 2014: daily 9 until to 6 pm; From 6 January 2014: daily 9 am until 5 pm; Every Friday until 10 pm.
  • Ticket Prices and Sales: General: 15€; Children up to 17: free.

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Museo Van Gogh: ‘Van Gogh at work’ (Van Gogh en el trabajo). Amsterdam, del 1 de mayo del 2013 al 12 de enero del 2014.

Posiblemente usted haya estado en el museo Van Gogh de Amsterdam en alguna ocasión, ya que este recibe casi 2 millones de visitantes al año. Si no es así, quizá debería pensar en ir a visitarlo. Este museo posee la mayor colección de obras de Van Gogh del mundo, además de otras pinturas, esculturas, dibujos y grabados que representan el arte de la época de Van Gogh.

Godspeed! Pilgrims setting out for Canterbury, 1874, George Henry Boughton. Oil on Canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

Godspeed! Pilgrims setting out for Canterbury, 1874, George Henry Boughton. Oil on Canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

El museo es joven. Se inauguró en 1973 y, tras un periodo de renovación de sus instalaciones a finales de 2012, volvió a a abrir sus puertas en la primavera del 2013 celebrando su 40 aniversario con una exposición titulada ‘Van Gogh at work’ (Van Gogh en el trabajo).

La muestra presenta cronológicamente el desarrollo de los métodos de trabajo de Van Gogh y de su arte, desde los primeros dibujos experimentales hasta sus más famosas obras posteriores.

Está basada en el gran proyecto de investigación ‘Van Gogh’s Studio Practice’, que se inició en el año 2005 y ha sido llevado a cabo a lo largo de ocho años por un equipo de investigadores que han examinado cientos de pinturas y de trabajos de toda la carrera de Van Gogh.

El estudio ha mostrado hasta que punto la evolución de Van Gogh se basó en la experimentación, la lectura y el estudio.

Self-portrait as a painter, 1887-1888 [Vincent van Gogh, Zelfportret als schilder, 1887, Parijs, Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Stichting)] Vincent van Gogh (1853-1890) Paris Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

Self-portrait as a painter, 1887-1888, Vincent van Gogh. Oli on canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam 

La exposición incluye más de 200 obras, incuyendo no solo pinturas sino también cartas y efectos personales del artista como cuadernos de dibujo, tubos de pintura, marcos de perspectiva o la única paleta del artista que ha sobrevivido hasta nuestros días y que pertenece al Museo d’Orsay de París. Diferentes museos han contribuido prestando trabajos de Monet, Gauguin, Seurat o del propio Van Gogh. Así, es posible contemplar el cuadro ‘Girasoles’ de la National Gallery de Londres, junto a los ‘Girasoles’ del Museo Van Gogh. Y el cuadro ‘La Habitación’ del Art Institute de Chicago, también junto a la versión del museo.

Sunflowers, 1889 [Vincent van Gogh (1853-1890), Zonnebloemen/Sunflowers, 1889, Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Stichting)] Vincent van Gogh (1853-1890) Arles Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

Sunflowers, 1889, Vincent van Gogh. Oil on canvas. Van Gogh Museum, Amsterdam

Lo que la investigación reveló, y lo que posible descubrir en esta exposición, es cómo Van Gogh no era exactamente el artista espontáneo e impulsivo que la gente creía y que su trabajo parecía mostrar.

Existe un cierto mito en torno al arte de Van Gogh, la idea de que el artista improvisaba  y ejecutaba sus trabajos con rapidez, cuando en realidad sus métodos de trabajo estaban planeados, eran metódicos y basados en el ensayo error. En la muestra podemos ver los materiales y los colores que Van Gogh elegía cuidadosamente y las condiciones en las que este trabajaba. Además se pueden examinar algunos fragmentos de las obras bajo un microscopio para descubrir manchas decoloradas o incluso granos de arena en algunas de las pinturas realizadas al aire libre. http://www.youtube.com/watch?v=awdbtj0me8E

En definitiva esta exposición quiere contar la historia de cómo Van Gogh llegó a ser el artista que conocemos e invitarnos a seguirle en su camino.

¿Tiene usted ganas de visitar Amsterdam? He aquí una razón más para hacerlo.

Como es habitual, aquí se incluye alguna información útil para la visita: 

  • Página web del Museo Van Gogh: http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/index.jsp?page=paginas.talen.es
  • Fechas y horario de apertura de la exposición: del 1 de mayo del 2013 al 12 de enero de 2014.
  • Del 2 de mayo al 1 de septiembre: de 9h a 18.00h; del 2 de septiembre al 26  diciembre: de 9h a 17.00h; del 27 de diciembre al 5 de enero del 2014: de 9h a 18.00h; a partir del 6 de enero del 2014: de 9h a 17.00h; cada viernes permanecerá abierto hasta las 22.00h.
  • Tarifas y venta de entradas: General: 15€; menores hasta los 17 años: entrada gratuíta.